“Es una buena noticia para Zamora y para todos los visitantes la ampliación, hasta el 3 de mayo, para poder visitar esta exposición. Estaba previsto que cerrara el domingo, 5 de abril, Domingo de Resurrección, y se va a trasladar al domingo, 3 de mayo, Día de la Madre”, indicó.

“Es casi un mes más de apertura. Yo creo que es tiempo suficiente para poder recuperar todas estas semanas de atrás de tan mal tiempo y meteorología que no han acompañado y va a incrementar el número de visitantes en abril y los primeros días de mayo”, auguró, además de destacar que el puente facilitará la afluencia de personas de Madrid.

Fernández Mañueco hizo estas declaraciones en la Catedral de San Salvador, en la capital zamorana, junto con el presidente de la Fundación ‘Las Edades del Hombre’, Jesus Vidal, durante la intervención en la que anunció la prórroga de casi un mes de la exposición ‘EsperanZa’. Ambos disculparon la ausencia “más que justificada” del obispo de Zamora, monseñor Fernando Valera.

“Hemos superado los 130.000 visitantes y las previsiones y reservas para la Semana Santa son muy optimistas. Serán miles de personas las que acudan, una vez más, a esta ciudad, a las procesiones de Semana Santa, a visualizar una obra de patrimonio tan importante como la que tiene la Semana Santa de Zamora y a conocer ese mensaje espiritual, el mensaje de Jesús”, recalcó.

“Esas miles de personas van a poder compartir este mensaje de esperanza que transmite esta exposición y que nos enseña algo tan importante como el mensaje de la fraternidad, para la convivencia en paz, tan necesaria en estos días en nuestro mundo”, rubricó.

El acto contó también con la presencia del presidente de la consejera de Industria, Comercio y Empleo en funciones, Leticia García; el consejero de Cultura, Turismo y Deporte en funciones, Gonzalo Santonja; el presidente de la Diputación Provincial de Zamora, Javier Faúndez; el vicepresidente primero, Víctor López; el delegado territorial de la Junta de Castilla y León en Zamora, Fernando Prada, y a los integrantes del Cabildo Catedralicio y a los responsables de la Fundación ‘Las Edadesdel Hombre’.

El presidente de la Junta en funciones recordó que las cerca de 90 piezas que componen la exposición ‘EsperanZa’ incluyen obrs de autores como El Greco, Goya, Zurbarán, Gregorio Fernández, Juan de Juni y Berruguete, “nombres de la Historia del Arte que impactan e impresionan”, sin olvidar a artistas más modernos, como Gargallo, Venancio Blanco, Salzillo, Antonio Pedrero, Tomás Crespo, Ele Pozas y Satur Vizán.

“Miles de personas podrán disfrutar tanto del mensaje de Jesús como de la magnífica colección de obras que tiene esta exposición y van a poder disfrutar de la hospitalidad, la gastronomía y la oferta cultural y de ocio que ofrece Zamora. Eso significa, también, generación de actividad económica y de empleo”, apuntó.

“Nosotros, desde la Junta de Castilla y León, colaboramos de forma generosa y lo hacemos encantados porque es un proyecto vital para nuestra tierra. Es una de las señas de identidad de nuestra comunidad autónoma”, aseguró.

“Inmenso trabajo”

Mañueco agradeció a la Fundación ‘Las Edades del Hombre’ el “inmenso trabajo” realizado y deseó que sea “un éxito” esta edición, así como a “todas las instituciones y patrocinadores” que han prestado su colaboración, incluidas las distintas diócesis, el Cabildo Catedralicio, el Ayuntamiento, la Diputación y la Fundación ZamorArte.

“Invitamos a todas las personas de Zamora, de Castilla y León, de España entera, a que vengan aquí, a que vengan a vivir la Semana Santa y a vivir Las Edades del Hombre. Visitar dentro del entorno de la Semana Santa o después siempre es garantía de una experiencia única en nuestra tierra por la riqueza espiritual, por la autenticidad, por la devoción y por la entrega de todos los cofrades”, consideró.

“Quiero destacar también el recogimiento de la gente con la que vive la Semana Santa, esa inmensa calidad de la imaginería y por la belleza de las calles monumentales de la propia Zamora. Invito a todos a que vengan a Zamora, a LasE del Hombre, a que se mezclen con ese mensaje de esperanza que traslada esta exposición”, concluyó.

La hipótesis que se defiende en esta exposición, que reúne más de 60 obras sobre todo tipo de soportes, es que “el amor, en todas sus formas, trasciende el ámbito de lo emocional para convertirse en un poderoso dispositivo de reflexión en torno al presente y el arte se convierte en el lenguaje privilegiado para expresar aquello que las palabras, por sí solas, no son capaces de decir”.

Todo ello enmarcado en el V Centenario de la Escuela de Salamanca, según matizó el rector, quien especificó que el equipo de Servicios Culturales “se ha metido en la piel de los humanistas” para demostrar cómo “el amor también está relacionado con la política o el derecho de gentes”. “Aquí se habla de tolerancia, de sentimientos y de cómo el amor también está en el origen de nuestra creatividad”, añadió Corchado, quien anunció que, de forma paralela también habrá actividades escénicas y musicales en el Teatro Juan del Enzina relacionadas con la exposición

Por su parte, el director del Servicio de Actividades Culturales de la Usal, Javier Panera, explicó que la muestra toma su título de una célebre canción de Joy Division editada en 1980, ‘El amor nos destruirá’, a la que quisieron “meter un no de por medio” para desvirtuar el final de aquella composición, pues División se suicidó “a los dos días”. “Aquí estamos explorando el amor y el deseo como conflicto y vía de escape en un tiempo en que la polarización ideológica y las prácticas mercantiles neoliberales han transformado las formas en que interactuamos afectivamente”, reflexionó Panera.

En la era de las “intimidades congeladas”, prosiguió Panera citando a Eva Illouz), se perfila una suerte de “capitalismo emocional” que, por una parte, “ha contribuido a la disolución de la imagen de la pareja tradicional y de los tabúes y prejuicios heteronormativos en torno al género y la sexualidad” pero, por otra, “promueve que las relaciones amorosas se definan, cada vez más, por modelos de negociación, intercambio y consumo voraz, predeterminados por los algoritmos, las redes sociales y las fuerzas del mercado”.

En un contexto marcado por “la fragmentación social, la hostilidad y la extrema polarización ideológica,” el amor emerge como un “acto de resistencia” capaz de poner en evidencia conflictos, donde “lo personal es político”, pero también como “una fuerza creativa, capaz de crear espacios de diálogo y entendimiento”.

Panera hizo ver que el amor en las artes ha pasado de las representaciones románticas “más o menos arquetípicas”, a cuestionamientos y deconstrucciones de las narrativas tradicionales, abordando temas como la ambigüedad, la fluidez, la mercantilización, la manipulación o la diversidad sexual. “Como lugar de encuentro, el amor nos sitúa en un territorio compartido donde las diferencias no se anulan, sino que se integran, contribuyendo a la construcción de una realidad plural y verdaderamente humana”, matizó.

En definitiva, según Javier Panera, en la era de la “circulación promiscua de la información”, las artes se han convertido en “un extraordinario laboratorio donde el amor, y en ocasiones las emociones extremas, no son solo un sentimiento privado, sino también una fuerza política”.

Los creadores actuales, en su opinión, “deconstruyen las representaciones idealizadas del amor y las subvierten”, de modo que “la vivencia afectiva se convierte en una experiencia fragmentada, ambigua y multifacética, rompiendo con aquellas visiones legitimadas a través de la literatura, el cine, la música o las artes visuales del pasado, para arribar a otros territorios donde el acto de amar sigue siendo una aventura en la que merece la pena embarcarse”.

Se trata de una instalación participativa en la que la artista invita a los visitantes a pensar y escribir sus deseos en trozos de papel, que en el caso de León se anudará a las ramas de un olivo.

El comisario de la muestra, Álvaro Rodríguez Fominaya, junto a Jon Hendricks y Connor Monahan, señala que “El árbol de los deseos apela a lo más íntimo del ser humano, ya que es a través de deseos y anhelos como proyectamos nuestro lugar en el mundo”.

El primer ‘Árbol de los deseos’ fue creado por la artista en 1996, y su origen se encuentra en una tradición japonesa que consiste en colgar oraciones de árboles situados en los patios de los templos. Ono ha creado distintas versiones de esta pieza, que se encuentran en museos como la Peggy Guggenheim Collection de Venecia, el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio, el Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington D.C o el Museo Guggenheim de Bilbao, que hasta el momento han recopilado más de dos millones de deseos de visitantes de todo el mundo.

Yoko Ono señala que “todas mis obras son una forma de desear. De niña, en Japón, iba a menudo a un templo y escribía un deseo en un trozo de papel fino que ataba a una rama de un árbol. Los árboles de los patios de los templos siempre estaban repletos de deseos anudados por la gente que, vistos desde lejos, parecían flores blancas abriéndose”.

La obra ‘Árbol de los deseos para León’ se enmarca en la exposición ‘Yoko Ono. Insound and Instructure’, que estará abierta hasta el próximo 17 de mayo, y que cuenta con más de 80 obras que incluyen piezas que Ono desarrolló a partir de finales de los años 50, que en buena medida se incluyen en la histórica publicación ‘Pomelo’, o instalaciones de gran formato que crea a partir de los años 90, en un arco cronológico que va desde 1953 hasta el presente.

Ubicado junto a la antigua Puerta de San Pablo, el templo tiene su origen en el siglo XII, en una fecha aún discutida. Originalmente era una iglesia románica de ladrillo de tres naves con triple cabecera y, a lo largo de su historia, fue objeto de diversas intervenciones. Destaca la realizada en 1529, cuando se construyó una torre y se realizó la fachada oeste, en la que, en su día, había una treintena de esculturas. En el siglo XIX la iglesia ya estaba muy deteriorada, trasladándose el culto.

Actualmente, de la iglesia de San Polo se mantienen los muros de la nave hasta la zona del crucero, incluida la fachada occidental gótica; el muro sur, con arquillos ciegos y una portada, reconstruida, con arco apuntado, y el arranque de los muros circulares de los ábsides románicos, con el central de mayor tamaño. Hoy, las ruinas de la iglesia se encuentran dentro de la manzana donde se ubica el Hotel San Polo, construido en 1994.

El Ayuntamiento de Salamanca llevó a cabo las obras de adecuación del monumento en los años 1983 y 1984, con la limpieza y desescombro del espacio y la consolidación de las estructuras que se mantenían en pie. Asimismo, se llevó a cabo una excavación arqueológica que sacó a la luz los restos de la cabecera del templo, pavimentos de distintas épocas, siete tumbas ubicadas en la nave lateral meridional y restos de materiales arqueológicos diversos. Por su parte, en 2016 se acometió una nueva intervención para solventar problemas de humedades y se descubrieron dos esculturas de San Pedro y San Pablo en la fachada oeste.

El ciclo arrancará el 19 de marzo en la Iglesia de San Juan de los Caballeros con el programa ‘Hija de la Seda’. Todos los Tonos y Ayres ofrecerá un recorrido por la Ruta de la Seda, empleando instrumentos tradicionales como el guzheng, el sheng o el morin juur para unir la Europa medieval con la China de las dinastías Song y Yuan.

La tradición barroca tendrá su espacio el 21 de marzo con ‘La pasión según Händel’. El Bachcelona Consort, bajo la dirección de Daniel Tarrida, recreará un evento histórico, el Viernes Santo de 1747 en el que J. S. Bach interpretó arias de Händel en Leipzig. En esta ocasión el Bachcelona Consort acompañará a los solistas Mariana Rodrigues, soprano; Jana Corominas, contralto; Itamar Hildesheim, tenor y Lluís Arratia, barítono, galardonados con la Beca Bach de la Fundación Salvat.

La vanguardia también tendrá su espacio en esta edición con ‘Ella Poema’ el 27 de marzo. La pieza de danza contemporánea Trayectoria del Polvo VII de Tanzania, protagonizada por Nshoma Nkwabi, danza y Anahi Acuña, violín, fusiona el canto de la saeta con los sonidos tradicionales de Zanzíbar, inspirándose en un poema de la mexicana Rosario Castellanos.

Como broche de oro, el 28 de marzo el Ágora del Campus María Zambrano acogerá el monumental Réquiem de Mozart. La interpretación correrá a cargo de los solistas Mar Morán, soprano; Cristina del Barrio, mezzosoprano; Juan Antonio Sanabria, tenor. Juan Laborería, bajo; junto a la Coral Ágora y la Orquesta Sinfónica de Segovia, dirigidas por Marisa Martín y Álvaro Mendía respectivamente.

Programación infantil y familiar

El público infantil y familiar contará con una programación específica el 20 de marzo, que arrancará a las q0.00 horas con el programa de radio ‘Crescendo’ de Radio Clásica (RNE) se realizará desde la Casa de la Lectura-Biblioteca Municipal, con la participación de un grupo de escolares. Dirigido por Ana Reina y Clara Sánchez, y la colaboración de Martín Llade.

A las 11.30 y 12.45 horas también para grupos escolares, y a las 18.30 horas para público familiar, la Catedral de Segovia acogerá el cuento musical ‘Correa de Arauxo, el organista sin papeles’, un viaje al barroco segoviano en el que el órgano toma la palabra. Contará con la presencia de Martín Llade, autor del cuento; Ángela Salinero, ilustradora y Ángel Montero, órgano.

Además, el 26 de marzo habrá una charla-coloquio titulada ‘Cuando suena una campana suena un mundo’ en el IES Mariano Quintanilla, con Montserrat Palacios y José Luis Alfonso Ponga moderados por Víctor Sanz, que hará un recorrido por la historia, el simbolismo y la dimensión social de la campana en distintas civilizaciones y geografías desde la antigüedad.

Venta de entradas

Las entradas pueden adquirirse de forma online en la página web oficial de la Fundación don Juan de Borbón www.fundaciondonjuandeborbon.org o presencialmente en el Centro de Recepción de Visitantes de Segovia (plaza del Azoguejo, 1), con un precio de 12 euros para los conciertos de los días 19, 21 y 27 de marzo.

Por su parte, el concierto del día 28 tendrá un coste de entrada de 15 euros, mientras que los de los días 20 y 26 de marzo contarán con entrada libre. Las actividades para grupos escolares necesitarán inscripción previa en la página web de la Fundación, que también ofrecerá un descuento del 50 por ciento para menores de 25 años y personas en situación de desempleo.

‘¿No hay nada como el hogar?’, que podrá visitarse hasta el 7 de febrero del próximo año, reúne una amplia variedad de perspectivas artísticas presentes en la colección del Musac, con 45 obras de 24 artistas internacionales, entre los que se encuentran Lara Almarcegui, Shoja Azari, Gabriele Basilico, Carolina Caycedo, Elena Fernández Prada, Chus Gutiérrez, Cristina Lucas, Concha Pérez, Hiraki Sawa, Montserrat Soto y Rirkrit Tiravanija.

Combinando obras sobre diferentes soportes, instalaciones y material audiovisual, la selección de piezas permite explorar el tema desde diversos ángulos: el hogar añorado o inalcanzable, el idealizado, el físico y el mental, el frágil, el peligroso o el inestable. En vez de construir un único relato, la exposición propone una constelación de miradas que también tienen en cuenta a quienes no tienen hogar, a quienes lo han dejado atrás y a quienes lo buscan o reinventan.

Cuatro nuevas intervenciones producidas por el colectivo Cestola y los artistas Tito Pérez Mora, Sara Alonso y Lara Ruiz se incorporarán al recorrido de manera progresiva a lo largo de 2026 y coincidiendo con la apertura de la muestra se presentará la primera de estas producciones específicas, a cargo de Xoana Almar y Miguel Peralta (Cestola). Con el título de ‘Sustento da fogueira’, un gran mural explora la idea del hogar como un equilibrio inestable que abarca el desafío laberíntico de navegar por el mercado inmobiliario, los sentimientos de pérdida y desarraigo resultantes del desplazamiento y la migración, y la distribución desigual de las responsabilidades domésticas y de cuidado derivadas de los roles de género.

‘¿No hay nada como el hogar?’ invita al público a revisar este concepto tan familiar como profundamente ambivalente desde perspectivas poéticas, emocionales y políticas. El título de la exposición reformula una célebre frase del libro ‘El maravilloso mago de Oz’ (1939), de L. Frank Baum. En el libro, el viaje de Dorothy está impulsado por la pérdida, la nostalgia, el anhelo y la búsqueda del retorno al hogar. Al convertir esas palabras mágicas en una pregunta abierta, la exposición cuestiona la certeza absoluta que la cinta atribuye al mantra pronunciado por la protagonista antes de regresar a Kansas.

A diferencia del camino de baldosas amarillas que conduce a Dorothy de forma clara y lineal, la muestra evita deliberadamente una tesis cerrada. En su lugar, emplea la Colección Musac como catalizadora de conversación y debate, planteando interrogantes sin ofrecer respuestas definitivas.

En sus primeras salas, la exposición se centra en los lugares en sí mismos: espacios en ocasiones vacíos, deteriorados, abandonados o fragmentados que, sin embargo, funcionan como depositarios de memoria, identidad y pertenencia. Así, la noción de hogar se explora primeramente desde una visión amplia ligada al territorio.

La sala siguiente cruza el umbral hacia los interiores, trasladándose del espacio público al privado. Los entornos domésticos emergen como escenarios de emociones y deseos, y las relaciones entre personas y objetos revelan cómo el hogar se construye mediante gestos cotidianos, rutinas y vínculos afectivos. La presencia humana, inicialmente ausente en la exposición, se incorpora paulatinamente como detonante de una pregunta fundamental: ¿Qué hace que un hogar sea un hogar? A través de temas como las estructuras familiares, la crianza, la migración, la violencia, los roles de género y el cuidado comunitario, la exposición explora cómo las relaciones interpersonales generan tanto comodidad como conflicto. La sección final de la muestra explora los códigos culturales que rodean la idea de hogar y la posibilidad de crear imaginarios domésticos alternativos.

En última instancia, ‘¿No hay nada como el hogar?’ reflexiona sobre la profunda subjetividad del sentimiento de estar “en casa”. Esta sensación puede surgir de un lugar, una persona, una cotidianidad o un instante, con desencadenantes tan diversos como las experiencias que los configuran. A través de una amplia variedad de enfoques artísticos y una presencia contemporánea que se desarrollará progresivamente a lo largo de 2026, la exposición invita al público a reconsiderar el concepto de hogar en toda su complejidad: un territorio en constante transformación donde se cruzan historias personales, estructuras sociales y deseos colectivos, señalan desde el Musac.

La M.O.D.A., acrónimo de La Maravillosa Orquesta del Alcohol, con seis LP’s, varios EP’s y dos discos en directo a sus espaldas, está inmerso en la gira de presentación de su último trabajo ‘San Felices’.

La trayectoria de este septeto, con un sonido marcado por los instrumentos que tocan (acordeón, clarinete, mandolina, banjo…) y por la tierra de la que vienen: Burgos, siempre ha girado en torno al directo, acumulando más de 600 conciertos.

Su crecimiento les ha llevado a tocar por casi todas las salas y festivales de España, incluyendo cuatro actuaciones en el Wizink Center de Madrid. Además, han actuado en México, Colombia, Argentina, Chile, Francia, Italia, Holanda, Irlanda, Reino Unido y Estados Unidos.

Así, las ciudades candidatas son Burgos, Cáceres, Granada, Jerez de la Frontera, Las Palmas de Gran Canaria, Oviedo, Mallorca, Potries y Toledo. Para ser Capital Cultural, las ciudades deberán pasar una primera fase de selección. En marzo se anunciarán las ciudades finalistas y en diciembre se conocerá la ciudad elegida.

Esta selección será realizada en todas sus fases por un comité formado por diez personas expertas internacionales, designadas por las instituciones europeas involucradas en la Capitalidad Europea de la Cultura, así como dos expertos españoles designados por el Ministerio de Cultura. La composición de este Comité será oportunamente anunciada. La Ciudad Capital Europea de la Cultura 2031 acogerá un programa cultural a lo largo de todo el año que dura su capitalidad, y que incluirá actividades con artistas locales y europeos y programas de cooperación internacional.

La Capital Europea de la Cultura es un título anual otorgado por la Unión Europea a una ciudad para destacar la diversidad cultural europea, promover el diálogo intercultural y estimular el desarrollo cultural, social y económico a largo plazo. Esta iniciativa nació como un proceso de reflexión continua que contribuye a valorar la riqueza, la diversidad y las características comunes de las culturas europeas.

Desde que en 1985 la Comisión Europea puso en marcha esta iniciativa, más de 60 ciudades europeas han sido designadas con este reconocimiento, entre ellas Madrid (1992), Santiago de Compostela (2000), Salamanca (2002) y San Sebastián (2016). El proceso para convertirse en Capital Cultural se inicia con seis años de antelación. La designación formal tiene lugar cuatro años antes del año en que recae el título.

Ellos se suman a confirmaciones ya conocidas como La M.O.D.A., Samuraï, Paula Mattheus, Ultraligera, Lía Kali, Sanguijuelas del Guadiana o Super Cristongo XXL. Las entradas ya están a la venta en la plataforma online del certamen, con abonos desde 61,50 euros y entradas para días sueltos desde 41,50 euros o 16,50 en el caso de la última jornada.

Nacido en un pueblo segoviano en 1954, su familia no tardó en instalarse en Madrid, donde ubica sus primeros recuerdos infantiles y amigos. Sin embargo, tras muchos años trabajando como profesor de Matemáticas, el autor asegura que volvió a nacer cuando decidió dedicarse a escribir. Su obra se centra en la LIJ, si bien también ha abordado géneros como la novela o la poesía.

A lo largo de su trayectoria, ha sido distinguido con galardones como el Premio Barco de Vapor 2006 por ‘Ojo de nube’, Premio Cervantes Chico 2006 por el conjunto de su obra, Premio Gran Angular 2016, Premio Alandar 2003 y 2013, Premio Ignacio Aldecoa 1996 y 1997, el Juan Rulfo de Relato Corto 1996, White Ravens 2004 y mejor álbum ilustrado Brasil 2015.

El 7 de febrero, el FestiLIJ3C desvelará los ganadores de los prestigiosos Premios Torre del Agua, que distinguen anualmente los mejores trabajos del género en diferentes categorías, como sagas, libros autoconclusivos, álbumes ilustrados, cómic o conocimiento.

Los Premios Torre del Agua surgieron con la intención de dar valor y reconocimiento a los autores e ilustradores de la literatura infantil y juvenil y a las editoriales que apuestan por la publicación de sus obras. El nombre fue elegido por los niños y las niñas pertenecientes a los clubes de lectura de la librería Serendipias, organizadora del festival con la colaboración del Ayuntamiento de Tres Cantos.